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Akemi

What does it mean to be useful?

Earning a living. Making money. Doing something for the future.

Without even realizing it, we may have come to measure the value of things and experiences by whether they are “useful” or “useless.”

But does something that is not useful really have no value?

In this article, I look back on my artwork, “STILL HERE — Still Here,” presented at the 6 Seeds Exhibition Vol.7, and introduce the ideas and process behind its creation.

Using old study notebooks and discarded paper, I created a collage that explores our changing sense of what it means to be useful, drawing on memories and experiences from the past.

At the exhibition, visitors were invited not only to view the artwork but also to write their own thoughts in a notebook in response to the question, “What does it mean to be useful?”

Their words revealed perspectives I had not anticipated, shaped by their individual experiences and lives.

I hope this work offers an opportunity to reflect on the value of things, memory, and time.

Overall view of the 6 Seeds Exhibition Vol.7

STILL HERE — Exhibition wall

The Theme of “STILL HERE”

What I explored in this work were things that have been forgotten over time or are no longer in use.

Old study notebooks, paper that had served its purpose, and my own childhood experience of being told that “drawing is useless,” which led me to stop drawing.

Using these things as materials, I explored how our perception of what is “useful” can change through the process of making art.

Have the things we forgotten really disappeared?

Exhibition panel: “STILL HERE — Still Here”

What Remained in an Old Study Notebook | Background to the Artwork

One of the materials I used for this work was an old study notebook.

It was actually a notebook from the time when I was learning a 3D software program called MAYA.

Back then, I was focused on learning how to use the software and mastering its techniques. Today, I have forgotten much of what I studied. The software I used at the time is no longer something I can use in the same way.

But when I open the notebook, I can still see traces of the experiments and efforts I made back then.

Even if I have forgotten much of what I learned, the basic knowledge I gained, the experience of creating something, and the feeling that I was capable of doing it may still be connected to who I am today.

The notebook holds more than just knowledge.

I feel that it also preserves the time I spent learning and the person I was at that moment, trying to acquire something new.

01 | The Study Notebook
A notebook from a time when I was studying hard. I can barely remember its contents now. And yet, the notebook is still here. Is something left behind in the things we have forgotten?

Artwork | Collages Layering Old Paper and Memories

I combined old paper, fragments of notebooks, and other materials that once served a purpose to create collage works.

By layering paper, concealing words, and adding layers of white, things that were once visible disappear, while things that were hidden begin to emerge.

The time held within the materials, and the new time added to them.

As these layers come together, they gradually become a single artwork.

02 | Memories in Layers
Flyers, newspapers, and fragments of old notebooks. Papers that once had a purpose. They overlap and blend together until it becomes impossible to tell where one came from or another began.

Left: Fragments of a Former Purpose
Right: Memory in Layers

03 | Layers of Paper
Paper upon paper. Memory upon memory. I wonder whether the layers hold traces of time that has already passed.

Title: Time Keeps Layering

04 | Fragments Within White
Faint letters and traces remain beneath the white surface. Have the things that are no longer visible really disappeared?

Left: What Remains Beneath the White
Right: Letters That Remain, Letters That Fade

Five Questions for Visitors | Reflecting on What It Means to Be Useful

For this exhibition, I prepared five questions to invite visitors to reflect on the theme themselves.

I wanted the experience to go beyond simply looking at the artwork and become an opportunity for each person to look back on their own experiences and memories.

The “Last Question” board displayed at the exhibition

What Visitors’ Responses Revealed About the Meaning of Being Useful

Words written by visitors during the exhibition

During the exhibition, visitors left a wide variety of responses in the notebook.

Some felt that what they had learned at school had been useful, while others felt it had not. Their views on art also varied: some saw it as a way to express themselves, others as part of everyday life or as something that gives them emotional support.

Here, I would like to share some of the responses that stayed with me.

Some wording has been lightly edited for readability.

① Do you think what you learned at school has been useful?

I feel that the subjects I disliked haven’t been useful to me.

Even the subjects I hated at the time have become interesting to me later in life, and I now feel they have been useful.

I learned more about communication and collaboration than academic subjects.

Even when people share the same experience of school, the way they look back on it can be very different.

Something that seemed unnecessary at the time may become useful later. Another visitor felt that what they had learned about interacting and working with others was more valuable than the academic subjects themselves.

Perhaps we cannot always tell whether something will be useful while we are learning it.

② What does art mean to you?

Getting to know myself.

A way to express my own thoughts and feelings.

By looking at an artwork, I can discover what the artist is interested in. I can also encounter ideas that I would never have thought of on my own.

Some people see art as a way to understand their own inner world, while others see it as a way to encounter the thoughts and perspectives of others.

Whether making art or viewing it, I felt that both offer the possibility of discovering something we might not have noticed on our own.

③ Is there anything, or any moment in your life, that you treasure even though it may not be useful?

Time spent relaxing in a park.

An old watch that no longer works. I’ve spent many years with it.

Sleeping.

Small paths I used to walk, landscapes, sounds, voices, and so on.

Time spent relaxing in a park, a watch that no longer works, and the landscapes and sounds of a path someone once walked.

None of these things necessarily produce any particular result. Yet they remain important to the people who shared them.

Perhaps there are many kinds of value in our everyday lives that cannot be measured by whether something is useful.

④ When have you felt that something was truly useful?

When I shared something I knew with someone and it made them happy.

Listening to other people’s stories, whether on the radio or in person.

When I eat something together with a friend and we both feel, “This is delicious!” Somehow, I feel that my feelings have been useful.

Sharing knowledge with someone, listening to another person’s story, and enjoying the same food together while sharing the feeling that it tastes good.

Here, being useful was not limited to work or achievements. It also included the small joys and connections that arise through relationships with others.

⑤ Please share anything you felt while viewing the exhibition.

I’m so busy just living in the present that I don’t have much time to look back on the past, and I can’t imagine what life will be like ten years from now. But when I look at the artwork, I see something that has continued over time. It makes me feel that I should make time to reflect like that. I don’t manage to do it very often, but the artwork gives me that encouragement.

I felt the time, history, and process held within “material things.” Although the work takes the form of a single canvas, I sensed the enormous span of time contained within it.

As expected — orderly and chaotic at the same time.

Some visitors found themselves thinking about their own past and the passage of time through the artwork.

Others sensed the time accumulated within the materials themselves. I was also struck by the concise description, “orderly and chaotic at the same time.”

Even when looking at the same artwork, people notice different things and are reminded of different experiences.

I felt that the questions I had embedded in the work had connected with each visitor’s own experiences and returned to me in the form of different words.

Unexpected Words Encountered at the Exhibition

Among the responses were words that made me stop and think.

Studying is fun. I don’t know if it’s useful exactly… perhaps it becomes nourishment for life.

I like things that have no meaning… perhaps because they have no meaning.

I want to treasure the time I spend doing things that have no particular meaning.

When we step away from the standard of whether something is useful, we begin to notice moments that do not even need to have a purpose, and things we continue doing simply because we enjoy them.

There was another response that stayed with me:

Moving forward is important, but looking back is also necessary. However, perhaps we should only look back briefly and not remain standing still…

Looking back at the past and moving forward.

In this work, I used old notebooks and paper to look at time that had already passed. But perhaps looking back does not simply mean returning to the past.

By looking at what remains there, we may also become aware of who we are today.

I also received responses from visitors from overseas.

I think studying was helpful for forming my own opinions and world view, but I don’t think school was the most helpful.

Another visitor shared this thought about art:

Art = personal self expression, creativity in all forms. There is no ‘bad’ or ‘good’ art.

Even when languages and cultures are different, ideas that emerge from individual experiences can have things in common, as well as differences.

I found it very interesting that we could share our thoughts through a single question, including those differences.

Connecting Visitors’ Memories Through Art

There was something that made me especially happy during this exhibition.

Even when I was not present at the gallery, visitors took the time to write their own thoughts in the notebook.

They looked at the artwork, read the questions, recalled their own experiences, and put their thoughts into words.

Some visitors chose to write of their own accord, without anyone encouraging them to do so. That meant a great deal to me.

Reading the words in the notebook, I could see how one question had opened up different memories and experiences for each person.

School, work, encounters with others, moments of enjoyment, and things they treasure.

The old notebooks and paper I used as materials for my artwork also held their own histories and moments in time.

And each person who viewed the work carried their own memories and experiences.

The artwork and the visitors’ experiences came together in unexpected ways. During this exhibition, I was able to witness moments like these.

STILL HERE

This exhibition began with the question, “What does it mean to be useful?”

Reading the responses from visitors made me realize once again that the value of things and experiences cannot be determined by a single standard.

Some things are useful immediately, while others only become meaningful as time passes.

Sometimes, things we thought we had forgotten are still present within us today.

Perhaps things that are no longer used, and time that never took a tangible form, have not really disappeared.

I created “STILL HERE” while thinking about these ideas.

The words shared by visitors also added new layers of time to this exhibition.

Thank you to everyone who visited, and to everyone who took the time to leave their words in the notebook.

What does it mean to be useful to you?

And what is something that may not be useful, but still remains within you?

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Copyright © 2026 Akemi Kodama All Rights Reserved.

English Version

Akemi

「役に立つ」とは何だろう？

仕事で稼ぐこと。お金になること。将来のためになること。

私たちは、いつの間にか、ものや経験の価値を「役に立つ・役に立たない」という基準で考えているのかもしれません。

では、役に立たないものには、本当に価値がないのでしょうか。

今回の「6つの種展 Vol.7」では、私・児玉明美のアート作品「STILL HERE — まだ、ここにある —」を振り返り、制作の背景や作品を紹介します。

古い勉強ノートや、使われなくなった紙。かつての記憶や経験を素材に、コラージュという表現を通して「役に立つ」という感覚を見つめ直した作品です。

展示では、作品を見ていただくだけでなく、来場者の方にも「役に立つとは何か？」という問いへの答えをノートに書き残していただきました。

そこには、私が想像していなかった言葉や、それぞれの人生経験から生まれた考えがありました。

作品を通して、ものの価値や記憶、時間について考えるきっかけになればと思います。

6つの種展 Vol.7 全体の展示風景

STILL HERE 展示壁面

「STILL HERE — まだ、ここにある —」作品テーマ

今回の作品で向き合ったのは、時間の中で忘れられたり、使われなくなったりしたものです。

昔の勉強ノートや、役目を終えた紙。そして、子どもの頃「絵は役に立たない」と言われ、描くことをやめた経験。

そうしたものを素材に、アート作品を制作しながら「役に立つ」という感覚の変化を見つめました。

忘れたものは、本当に消えたのでしょうか。

展示パネル「STILL HERE — まだ、ここにある —」

古い勉強ノートに残っていたもの｜作品の制作背景

今回、作品の素材として使ったもののひとつが、昔の勉強ノートです。

実はこれは、MAYAという3Dソフトを勉強していた頃のノート。

当時は、ソフトの操作や技術を覚えることに一生懸命でした。今では、そのとき勉強した内容の多くを忘れてしまっています。使っていたソフトも、今はもう同じようには使えません。

けれど、ノートを開いてみると、当時の自分が試行錯誤していた跡が残っています。

勉強した内容そのものは忘れていても、そこで身につけた基礎知識や、何かを形にできた経験、自分にもできるという感覚は、今の自分につながっているのかもしれません。

ノートに残っているのは、知識だけではありません。

そのときに過ごした時間や、何かを学ぼうとしていた自分の姿も、そこに残っているように感じました。

01｜勉強したノート
一生懸命勉強していた頃のノート。今は、その内容をほとんど覚えていない。けれど、ノートは今もここにある。忘れたものの中に、何か残っているのだろうか。

作品紹介｜古い紙と記憶を重ねたコラージュ作品

古い紙やノートの切れ端など、かつて何かの役目を持っていた素材を組み合わせ、コラージュ作品にしました。

紙を重ねたり、文字を隠したり、白を重ねたりすることで、見えていたものが見えなくなり、反対に、隠れていたものが浮かび上がってきます。

素材が持っていた時間と、そこに新たに加わる時間。

それらが重なり合うことで、ひとつの作品になっていきました。

02｜重なりの中の記憶
チラシ、新聞、古いノートの切れ端。かつて役目を持っていた紙たち。重なり混ざり合い、何がどこから来たのか分からなくなる。

左：Fragments of a Former Purpose / かつての役目の断片
右：Memory in Layers / 重なりの中の記憶

03｜重なり合う紙
紙と紙。記憶と記憶。重なったものの中には、過ぎた時間も残っているのだろうか。

作品名：Time Keeps Layering / 時間は重なる

04｜白の中の断片
白の下に、かすかに残る文字や痕跡。見えなくなったものは、本当に消えたのだろうか。

左：What Remains Beneath the White / 白の下に残るもの
右：Letters That Remain, Letters That Fade / 残る文字、消える文字

来場者と考える「役に立つとは何か？」｜展示で用意した5つの問い

今回の展示では、作品を見ていただいた方にも考えてもらえるように、5つの問いを用意しました。

作品を見て終わるのではなく、自分自身の経験や記憶を振り返るきっかけになればと思ったからです。

展示に設置した「Last Question 最後の問い」

来場者の回答から考える「役に立つこと」の意味

来場者の皆さんが書き残してくださった言葉

展示期間中、ノートにはさまざまな回答が寄せられました。

学校の勉強が役に立ったという人もいれば、あまり役に立たなかったという人もいます。アートについても、自分を表現する手段、生活の一部、心の寄りどころなど、人によって捉え方はさまざまです。

ここでは、印象に残った回答をいくつか紹介します。

※掲載にあたり、一部の表記を読みやすく整えています。

① 学校で勉強したことは、役に立ったと思いますか？

嫌いな科目は、役に立っていない気がする。

キライな課目も、その時はいやだったけど、後になって興味が出てきて役に立ったと思う。

学問よりもコミュニケーションや協働を学んだ。

同じ学校での学びでも、受け止め方は人それぞれです。

そのときは必要性を感じなかったことが、後になって役に立つこともある。一方で、教科の知識よりも、人との関わり方や協力することを学んだという回答もありました。

「役に立ったかどうか」は、学んでいる最中には分からないこともあるのかもしれません。

② アートは、あなたにとってどんな意味がありますか？

自分を知ること。

自分の思いを表現する手段です。

作品をみることで、作った方がどんなことに興味があるのかを知ることができる。自分では考えないことも知ることができる。

アートを、自分の内面を知るためのものと捉える人もいれば、他者の考えや世界に触れるものと捉える人もいます。

つくることと、見ること。そのどちらにも、自分ひとりでは気づかなかったことに出会う可能性があるのだと感じました。

③ 役に立つわけではないけれど、なぜか大切にしているものや時間はありますか？

公園でのんびりする時間。

もう使えなくなった腕時計。長年一緒に過ごしてきたため。

ねてる時間。

昔歩いた小道、風景、音、声 etc.

使えなくなった腕時計や、何気なく過ごす公園での時間。昔歩いた道の風景や音。

どれも、何かの成果を生み出すためのものではありません。でも、その人にとっては大切なものとして残っています。

役に立つかどうかでは測れない価値は、案外、日常の中にたくさんあるのかもしれません。

④ あなたが「これは役に立ったな」と感じたのは、どんなときですか？

自分の知っていることを教えて喜んでもらえた時。

人の話を聴く。ラジオでも、個人的でも。

友達といっしょに同じものを食べて、おいしいねと共通の感情がいっしょだった時、なんとなく自分の感情が役に立ったと思う。

知識を誰かに伝えることや、人の話を聴くこと。そして、誰かと同じものを食べて、おいしいという気持ちを共有すること。

ここでの「役に立つ」は、仕事や成果だけではありません。人との関係の中で生まれる、小さな喜びやつながりも含まれていました。

⑤ 展示を見て感じたことを、自由に残してください。

今を生きてるだけで、過去をふりかえる余裕もないし、10年後も想像できない。作品をみるとずっと続いてるので、そういう時間をつくらねば！とは思う。なかなかできないけど、作品をみるとそう、力をもらえる。

「物質的なもの」に宿る時間、歴史、過程を感じました。作品の形としてはひとつのキャンバスでも、その中には長い長い時間が閉じこめられていること、その途方もなさを感じました。

さすがです 整然と混沌しています。

作品を見て、自分の過去や時間について考えてくださった方がいました。

素材そのものに積み重なった時間を感じ取ってくださった方もいます。また、「整然と混沌しています」という、作品の見え方を短い言葉で表現してくださった回答も印象的でした。

同じ作品を見ても、目に留まるものや、そこから思い出すことは違います。

私が作品に込めた問いが、見る人それぞれの経験と結びつき、別の言葉になって返ってきたように感じました。

展示で出会った予想していなかった言葉

回答の中には、思わず立ち止まって考えてしまうような言葉もありました。

勉強は楽しいです。役に立つ…というのか…糧にはなる…というのか。

意味は無くて意味が無いから…好きです。

意味の無いことをしている時間は大切にしたい。

「役に立つ」という基準から少し離れてみると、意味があるかどうかさえ問わない時間や、ただ好きだから続けていることも見えてきます。

また、こんな回答もありました。

前に進む事も大事だが、後ろを振り返る事も必要。但し、ほんの短い時間にし、立ち止らない事…かな？

過去を振り返ることと、前に進むこと。

今回の作品では、古いノートや紙を使って過去の時間を見つめましたが、振り返ることは、ただ過去に戻ることではないのかもしれません。

そこに何が残っているのかを見つめることで、今の自分に気づくこともあるのだと思います。

海外から来場された方の回答もありました。

I think studying was helpful for forming my own opinions and world view, but I don’t think school was the most helpful.

勉強することは自分自身の意見や世界観を形成するのに役立ったと思いますが、学校が最も役立ったとは思いません。

アートについては、こんな言葉も。

Art = personal self expression, creativity in all forms. There is no ‘bad’ or ‘good’ art.

アートとは、個人の自己表現であり、あらゆる形の創造性。アートに「良い」も「悪い」もありません。

言葉や文化が違っても、それぞれの経験から生まれる考えには、共通する部分もあれば、違いもあります。

そうした違いも含めて、ひとつの問いを通じて言葉を交わせたことが、とても興味深かったです。

アート作品を通じて、来場者の記憶がつながる

今回、特に嬉しかったことがあります。

それは、私がギャラリーにいない時間にも、来場者の方がノートに自分の言葉を書き残してくださったことです。

展示を見て、問いを読み、自分の経験を思い出し、言葉にしてみる。

誰かに促されて書くのではなく、自分から書いてくださった方がいたことが、何より嬉しかったです。

ノートに書かれた言葉を読んでいると、ひとつの問いから、それぞれの記憶や経験が広がっていくことが分かります。

学校での勉強、仕事、人との出会い、好きな時間、大切にしているもの。

私が作品の素材にした古いノートや紙にも、それぞれの時間がありました。

そして、作品を見た方の中にも、その人だけの時間や記憶がある。

作品と来場者の経験が、思いがけないところでつながっていく。今回の展示では、そんな場面を見ることができました。

STILL HERE — まだ、ここにある

「役に立つ」という言葉から始まった今回の展示。

来場者の皆さんの回答を読んで、あらためて感じたのは、ものや経験の価値は、ひとつの基準では決められないということです。

すぐに役立つものもあれば、時間が経ってから意味を持つものもある。

忘れてしまったと思っていたことが、実は今の自分の中に残っていることもある。

使われなくなったものも、形にならなかった時間も、なくなったわけではないのかもしれません。

今回の作品「STILL HERE — まだ、ここにある —」は、そんなことを考えながら制作しました。

作品を見てくださった皆さんの言葉もまた、この展示に新しい時間を重ねてくれました。

ご来場いただいた皆さま、そしてノートに言葉を残してくださった皆さま、本当にありがとうございました。

あなたにとって、役に立つとは何でしょうか。

そして、役に立つわけではないけれど、あなたの中にまだ残っているものはありますか。

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Akemi

抽象画を見て、「何が描かれているのかわからない」「どう見ればいいのだろう」と感じたことはありませんか？

人物や風景のように明確なモチーフがない抽象画を前にすると、どこに注目して鑑賞すればいいのか戸惑うこともありますよね。

けれど、抽象画を楽しむために特別な知識が必要なわけではありません。むしろ抽象画には、「これが正解」という具体的な答えはないのだと思います。

私自身、大学で抽象表現を学んでいた頃、恩師からこんな言葉を聞きました。

表現は自由。何をやってもいい。

この言葉は、作品をつくるときだけでなく、鑑賞するときにも通じるものがあると感じています。

この記事では、抽象表現を制作する作家の視点から、正解を探さずに自分の感覚で楽しむための「抽象画の見方や楽しみ方」についてお話しします。

抽象画の見方に「正解」はある？

抽象画を前にしたとき、「この作品は何を表現しているのだろう」「作者は何を伝えたいのだろう」と考えることがあるかもしれません。

もちろん、作品の背景や作者の意図を知ることも、鑑賞の楽しみのひとつです。

ただ、それだけが抽象画の見方ではありません。

色や形、線の動き、素材の質感など、作品を見て自分が何を感じるのかに目を向けてみる。そこから鑑賞を始めることもできます。

たとえば、

• この色を見ていたら、落ち着く気がする
• この形、どこかソワソワするな
• この線の動きが、なぜか気になる
• 昔の懐かしい景色を思い出した

こうした反応に、正しい・間違っているという基準はありません。

同じ作品を見ても、人によって感じ方は違います。また、同じ人でも、その日の気分や経験によって、作品の見え方が変わることがあります。

抽象画の見方に迷ったら、まずは作品を前にして、自分の目に何が映り、どんなことが心に浮かぶのかを観察してみてください。

抽象画の楽しみ方｜注目したい4つのポイント

抽象画をどう楽しめばいいのかわからないときは、作品のどこかひとつに注目してみるのがおすすめです。

① 色に注目してみる

まずは、作品に使われている色を見てみましょう。

明るい色が目に飛び込んでくることもあれば、落ち着いた色合いに惹かれることもあるでしょう。複数の色が重なり合う様子や、色と色の組み合わせが気になるかもしれません。

「この色が好き」「この組み合わせは不思議だな」と感じるだけでも、鑑賞は始まっています。

② 形や線の動きを見てみる

次に、作品の中にある形や線に目を向けてみます。

丸や四角のような形、曲線や直線、繰り返される模様。整然と並んでいるものもあれば、自由に動いているように見えるものもあります。

形や線を追っているうちに、何かが動いているように感じたり、リズムを感じたりすることもあるかもしれません。

③ 素材や質感を感じてみる

抽象画は、色や形だけでなく、素材によっても印象が変わります。

絵の具の厚み、紙の凹凸、かすれた跡、何かを重ねたような表面。作品に近づいて見ると、離れて見たときには気づかなかった表情が見えてくることがあります。

どんな素材が使われているのか、どのように手を加えたのか。作品に残された跡をたどることも、抽象画の楽しみ方のひとつです。

④ 自分の中に浮かぶものを探してみる（自分の感覚を知る）

作品を見ていると、特定の風景や記憶、言葉などが浮かんでくることがあります。

それは、実際に描かれているものとは違うかもしれません。けれど、作品をきっかけに自分の中から何かが出てきたのなら、それも鑑賞のひとつの形です。

何かを思い出したり、理由はわからないけれど気になったり。抽象画に向き合う時間は、実は「自分がいま何を感じているか」という自分自身の感覚を知る時間でもあります。

そんな小さな反応を無理に説明しようとせず、そのまま味わってみてください。

抽象画を見ても「何も感じない・わからない」ときは？

抽象画を見ても、特に何も感じなかったり、面白さがわからなかったりすることもあると思います。

抽象表現にはさまざまなものがあります。色や形の組み合わせ、素材、制作方法によって、作品の印象も大きく変わります。

すべての抽象画が、自分にとって魅力的に感じられるとは限りません。

無理に理解しようとしたり、何かを感じ取ろうと頑張ったりする必要はないと思います。

「今回はあまり惹かれなかった」と感じることも、自分の好みや関心を知るきっかけになります。

いろいろな作品を見ていくうちに、思いがけず心に残る作品に出会うこともあるでしょう。

まずは気負わず、目の前の作品を見てみる。そこから始めてみてはいかがでしょうか。

作家の私が抽象表現を通して考えていること

私自身も、抽象表現を通して、日常の中にある断片や記憶、ふと目に留まったものを作品に取り入れています。

色や形、文字、素材などを組み合わせながら制作していると、最初に考えていたこととは違う表情が生まれることがあります。

意図していたことだけではなく、偶然できた形や、思いがけない組み合わせから見えてくるものもあります。

そして、作品を見た人が、私自身は考えていなかったことを感じ取ってくれることもあります。

作品は、つくり手が完成させた時点ですべてが決まるのではなく、見る人との出会いによって、また違った意味を持つことがあるのではないでしょうか。

だからこそ、鑑賞する人が自分なりの見方で作品と向き合うことを大切にしたいと思っています。

抽象画をもっと知りたい方へ｜おすすめの本

抽象画についてもう少し知りたい方には、金子 善明氏の『抽象画入門』もおすすめです。

この本の中でも、「日常の風景の中に抽象的な美しさはいくらでも潜んでいて、大切なのはそれに気付くかどうか」ということが語られています。

特別な知識を持って難しく考えるのではなく、街の風景や日常のふとした瞬間に目を向けてみること。それこそが抽象画を楽しむ素敵な第一歩なのだと改めて感じさせてくれる一冊です。

知識を得てから作品を見ることも、先入観を持たずに自分の感覚で作品と向き合うことも、どちらもアート鑑賞の楽しみ方です。

まとめ｜自分なりの抽象画の見方を見つけてみよう

抽象画の見方や楽しみ方に、ひとつの決まった方法や具体的な答えがあるわけではありません。

色や形に注目してもいい。素材や制作の背景を知ってもいい。何も考えず、ただ眺めていてもいい。

作品を見て何かを感じることもあれば、何も感じないこともあります。そのときの自分にとって、どんなふうに見えるのか。それを確かめてみることも、抽象画を鑑賞する面白さではないでしょうか。

次に抽象画を見る機会があったら、少しだけ立ち止まって作品を眺めてみてください。

あなたには、今日の抽象画がどのように見えますか？

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BEYOND2026に参加します！

2026年、さまざまな展示や制作に取り組んできました。

そのなかで生まれた気づきや経験を、次の表現へとつなげていく。

今回の「BEYOND2026」への参加も、これまでの制作で得たものを土台に、さらに一歩踏み出す機会にしたいと思っています。

「BEYOND2026」について

「BEYOND2026」は、これまでコンテンポラリーアートギャラリーZone、TriAngle Galleryで作品を発表してきたアーティストたちが、さらなる挑戦に臨む展覧会です。

フライヤーでは、次のように紹介されています。

これまでZoneとTriangle、いずれかのギャラリーで作品を発表したアーティストが、さらなる高みへと進化した証を発表する場である。

これまでの自己の限界に挑み、新しい世界を切り開く2027年が、さらなる飛躍の年であることを予感させる、そんな展覧会になるであろう。

「BEYOND2026」展示会情報

「BEYOND2026」の開催概要は以下の通りです。

Exhibition Flyer

Front / 表面

この記事が、あなたと新しいアートとの出会いのきっかけになれば幸いです。

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映画『愛し合ってるかい？』を観てきました。

忌野清志郎の音楽や生き方を、残された映像や関係者の言葉を通してたどっていく映画です。

10代の頃から私にとって彼はどこか特別な、でも心のすぐ近くにいてくれた存在でした。

だからこの記事では、親しみと最大の敬意を込めて、いつものように「清志郎」と書きますね。

今回は、映画を通して私が感じたことや、そこから考えた「表現」について書いてみたいと思います。

清志郎が見ていた、日常の世界

映画を観ながら、私が特に惹かれたのは、清志郎が見ている世界でした。

とても日常的です。

その眼差しが、とても優しく、そしてダイレクトに伝わってきます。

日常を歪めず、彼の言葉でありのままに捉える。

でも、ただ「ありのまま」を写しているだけではない。

そこに清志郎自身の視点があるから、歌になり、言葉になり、表現になっていく。

そのことが、とても印象に残りました。

そして、そんな清志郎の表現を観ていると、

「表現の始まりは、もっとシンプルなものでいいのかもしれない」と感じました。

自分の中に生まれた小さな衝動。

それを素直に拾ってみる。

そこから表現が始まるのかもしれません。

10代の自分が、スクリーンの中にいた

映画の中に、クリスマス恒例だったRCサクセションの日本武道館ライブの映像が出てきました。

実は10代の頃、RCサクセションのライブを日本武道館で何度か観に行ったことがあります。

だから、映像が出てきたときは驚きました。

「あの場所に、私はいた」

そう思った瞬間、当時の会場の空気や、自分がそこで感じていたものが、一気によみがえってきました。

10代だった自分。

そして、あれから何十年も経って、いろんなことを潜り抜けてきた今の自分。

同じ映像を見ているのに、そこには二つの時間が重なっていました。

過去の記憶を思い出しているはずなのに、その記憶は「今」の自分の中で起きている。

なんとも不思議な体験でした。

清志郎の姿を見ていたはずなのに、そこに昔の自分まで現れてきたような感覚。

そして、清志郎自身も、あの時には、こんなに早く死を迎えることになるとは思っていなかったのだろうと思いました。

だからこそ、今その映像を見ると、そこにある「生」をより強く感じます。

「自分が感じたもの」を表現する

清志郎の表現を観ていて、

「そのとき自分が感じたものを、今の感覚で素直に表現する。」

それでいいのかもしれない、と思いました。

誰かにどう評価されるか。

これは意味があるのか。

ちゃんとした作品になっているのか。

そういうことを考える前に、自分の中で何かが動いたなら、まずそれを掴んでみる。

もちろん、その後には考えたり、選んだり、形を整えたりすることも必要です。

でも、始まりのところまで最初から整えすぎてしまったら、自分にしかないものを見落としてしまうかもしれません。

誰もが、自分だけの「見え方」を持っている

同じものを見ても、人によって見え方は違います。

同じ出来事を経験しても、心に残るものは違う。

何気ないものに惹かれる人もいれば、誰も気に留めないものに引っかかる人もいる。

その違いの中に、その人だけの表現の種があるのではないでしょうか。

自分にはこう見えた。

自分はこう感じた。

その自分の見え方を、自分なりの方法で形にしてみる。

それも表現なのだと思います。

清志郎の表現を観て、私は改めて、自分の感覚を出発点にすることの大切さを感じました。

時間を越えて残るもの

清志郎は、もうこの世にはいません。

でも、娘さんや若い人たち、かつて一緒に音楽を作った人たちにも、清志郎のスピリッツが受け継がれていることが映画から伝わってきました。

私自身も、10代の頃に武道館で受け取ったものを、何十年も経った今、映画を通してもう一度受け取りました。

清志郎がいなくなったあとも、その表現は私の中で、もう一度動き出したのだと思います。

表現が時間を越えて、誰かの「今」に触れる。

そう考えると、表現というものは不思議です。

映画を観終わって、こんなことを考えました。

「今という時間には終わりがあるけれど、純粋な衝動から生まれた表現は、繋がっていくのかな。」

そして、自分自身も、

そのとき肌で感じたものを、今の感覚で素直に表現していきたい。

改めて、そんなふうに思いました。

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寂鉄blueさんが主催の『物語ル』展page8。
牛窓の海沿いにあるギャラリー牛窓hideoutdで開催されます。
昨年に続き、今年も参加させていただくことになりました！
どうぞお楽しみに。

『物語ル』展page８について

今回のテーマは「秘密」。

見えるものの奥に
見えない何かがある。
それは、あなたの中にも。　寂鉄blue

文章と作品を一緒に楽しむ展示会です。

牛窓の海の近くにあるギャラリーにはBarも併設されており、
お酒を楽しみながら、ゆっくりとアートに触れることができます。

会期中にはライブイベントも開催され、
作品だけでなく、音楽や空間そのものを楽しめる展示となっています。

『物語ル』展page８展示会情報

『物語ル』展page８の詳細は以下の通りです。

▼ Exhibition Flyer

この記事が、あなたと新しいアートとの出会いのきっかけになれば幸いです。

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Ichiro

いろいろな素材を貼り付けて楽しめる版画ってありますか？

「おうちにある素材で、手軽にアートを楽しみたい！」

「絵を描くのが苦手でも、味わいのある作品を作ってみたい！」

そんな方におすすめなのが、身近な素材を貼り付けて作る版画、コラグラフ（コラージュ版画）です。

コラグラフは、布やレース、紐、ダンボールなど、さまざまな素材を台紙に貼り付けて「版」を作り、インクをつけて紙に刷る版画技法です。

今回は、特別な版画プレス機を使わず、瓶の底を使って自宅で刷る方法をご紹介します。

コラグラフとは？身近な素材で作れるコラージュ版画

コラグラフとは、紙や厚紙などの台紙に布、レース、紐、ダンボールなど、さまざまな素材を貼り付けて「版」を作り、インクをつけて紙に刷る版画技法です。

「コラグラフ（Collagraph）」という名前は、コラージュ（Collage）とグラフ（Graph＝版画）を組み合わせた言葉です。

コラグラフの面白さは、素材そのものが持っている模様や質感が、そのまま版画の表情になること。

絵を描くのが苦手でも、レースの網目や紐の線、ダンボールの凹凸などを組み合わせることで、思いがけない作品が生まれます。

今回は、家庭でも試しやすいように、身近な材料を使い、瓶の底で刷る方法で作ってみます。

コラグラフのここが楽しい！3つの魅力

• 貼るだけでも楽しめる！絵を描くのが苦手でもOK
  レース、ガーゼ、紐、ダンボールなど、素材そのものが持つ模様や形が版画になります。自由に素材を組み合わせるだけでも、個性的な作品を作ることができます。
• 素材の「質感」が刷り上がりに現れる
  ツルツルした素材、ザラザラした素材、細かな網目や溝など、素材によって刷り上がりの表情が変わります。どんな模様になるのか、刷ってみるまで分からないのもコラグラフの楽しさです。
• プレス機がなくても楽しめる
  本格的な版画プレス機がなくても大丈夫。今回は、底が平らな瓶を使って、手でこすって刷る方法をご紹介します。特別な機械がなくても、自宅で版画を楽しめます。

コラグラフに必要な材料・道具

コラグラフを作るための材料をまとめました。

特別な道具がなくても、おうちにあるものや100均などで揃えられるものが中心です。

基本的に必要なもの

• 版の台紙： マットボード、イラストレーションボード、厚手のボール紙など。薄くて柔らかい紙よりも、ある程度厚みとコシのあるしっかりしたボードがおすすめです（ハガキサイズくらいが扱いやすくておすすめ）
• 貼り付ける素材： レース、ガーゼ、麻紐、レースペーパー、ネット、葉っぱ、片面ダンボールなど
• ボンド（木工用ボンドなど）： 素材の接着と、版全体のコーティングに使用します
• 刷る紙： 厚手の画用紙や水彩紙など
• 版画用インク： 水性版画インクがおすすめです
• 歯ブラシ： インクを素材の細かな凹凸に刷り込むために使います
• 水を入れるトレイ： 刷る紙を湿らせるために使います
• 新聞紙・キッチンペーパー： 水気を取ったり、インクを拭き取ったりするために使います
• クッキングシート： 刷るときのあて紙として使います
• 瓶： 底が平らでツルツルしたドリンク瓶など。プレス機の代わりに使います

あると便利なもの

• 寒冷紗（かんれいしゃ）： インクを凹凸になじませたり、余分なインクを拭き取ったりするために使います。ガーゼや布でも代用できます。
• 使い捨て手袋： インクで手が汚れるのを防ぎます
• はさみ： 素材を切るために使います
• 筆・ハケ： ボンドを塗るために使います
• ペインティングナイフ： 素材を貼るときなどにあると便利です

おすすめの版画インク

• 水性版画インク
  ▶︎ 発色が違う！定番のサクラ水溶性インク

【サクラクレパス「水溶性版画絵の具」を使うメリット】

・水で洗えるので後片付けがしやすい
・凹凸のある版にも使いやすい
・家庭で気軽に版画を楽しみやすい

【きれいに仕上げるためのポイント】
コラグラフでは、素材のすき間や細かな凹凸にインクをしっかり入れることがポイントです。歯ブラシなどを使って、インクを版全体になじませていきましょう。

【画像で解説】コラグラフの作り方

ここからは、実際にコラグラフの版を作り、インクをつけて刷るまでの手順を紹介します。

① 台紙と素材を準備する

ハガキサイズくらいのしっかりしたボード（台紙）を用意します。

選んだ素材をはさみで切り、完成をイメージしながら自由にレイアウトしてみましょう。

最初からきっちりデザインを決めなくても大丈夫。素材を並べながら、形や質感の組み合わせを楽しんでみてください。

② 素材を台紙に貼り付ける

木工用ボンドを使って、台紙に素材をしっかり貼り付けていきます。

はみ出しても大丈夫。素材が浮かないように、隙間なくしっかり接着しましょう。

③ ボンドで全体をコーティングする

素材をすべて貼り終えたら、上からさらにボンドを筆やハケで全体に塗ります。

ボンドは少し水で緩めてもOK。素材がしっかり固定されるように、全体をコーティングします。

ポイント： 上からボンドでコーティングすることで素材を固定し、紙や布などにインクが染み込みすぎるのを抑えます。刷るときに素材が剥がれにくくなる効果もあります。

④ しっかり乾燥させる

ボンドが透明になり、完全に乾くまでしっかり乾かします。

ここでしっかり乾燥させることが大切です。生乾きの状態でインクを塗ると、素材が動いたり剥がれたりする原因になります。

これでコラグラフの「版」が完成です。

⑤ 刷る紙を水で湿らせる

台紙とは別に、刷るための紙（少し厚手の画用紙や水彩紙など）を用意します。

トレイに水を張り、紙全体をサッと水に浸します。

⑥ 新聞紙で水気を取る

濡らした紙を新聞紙の間に挟み、表面の余分な水気を吸い取ります。

紙全体が「しっとり湿っている」くらいの状態にします。

⑦ 版にインクをのせる

乾燥したコラグラフの版に、水性版画インクをのせます。

今回は黒いインクを使っていますが、好きな色を使って楽しんでみてください。

⑧ 歯ブラシでインクを刷り込む

歯ブラシを使い、素材の凹凸や細かな隙間までインクが届くように、全体へしっかり刷り込んでいきます。

レースやガーゼなど細かな模様の素材は、特に丁寧になじませましょう。

⑨ 寒冷紗などでインクをなじませる

中に綿を入れた寒冷紗（またはたたんだ布）を使い、トントンと押さえるようにして、さらにインクを凹凸になじませます。

寒冷紗がなければ、ガーゼや薄手の布などでも代用できます。家庭で気軽に試す場合は、無理に用意しなくても大丈夫です。

⑩ 余分なインクを拭き取る

小さく丸めた新聞紙などを使い、白く出したい部分や表面の余分なインクを優しく拭き取ります。

どのくらい拭き取るかによって、刷り上がりの印象が変わります。

拭き取りのコツ： インクを多く残せば濃く力強い印象に、しっかり拭き取れば明るく繊細な印象になります。拭き加減を変えて、刷り上がりの違いを楽しんでみましょう。

⑪ 版と紙をセットする

版画を刷る準備をします。

一番下に「インクを塗った版」、その上に「湿らせた紙」、一番上に「クッキングシート（あて紙）」の順で重ねます。

⑫ 瓶の底で丁寧にこする

クッキングシートの上から、底が平らな瓶を当てます。

端から端まで、しっかり体重をかけながら円を描くようにこすり、紙へインクを移していきます。

紙がずれないように、空いている手であて紙をしっかり押さえておきましょう。

⑬ ゆっくり紙を剥がして完成

紙がずれないように片手で押さえながら、端からゆっくり剥がしていきます。

どんな模様が現れるのか、紙を剥がす瞬間もコラグラフの楽しみのひとつです。

コラグラフをきれいに刷るためのコツ

コラグラフは、同じ版を使ってもインクの量や拭き取り方、紙の湿り具合などによって刷り上がりが変わります。

初心者の方は、次のポイントを意識すると、素材の模様や質感をきれいに出しやすくなります。

• インクを凹凸の奥までなじませる：
  レースやガーゼなど細かな模様の素材は、歯ブラシなどを使ってインクを細かな隙間までしっかり入れます。
• 拭き取り方を変えてみる：
  表面のインクをどのくらい拭き取るかによって、刷り上がりの明るさやコントラストが変わります。少しずつ拭き取りながら調整してみましょう。
• 紙は「しっとり湿った状態」にする：
  紙を水に浸した後は、新聞紙などで余分な水分を取り、全体がしっとり湿っている状態にします。
• 紙をずらさない：
  瓶でこするときは、紙が動かないようにしっかり押さえます。紙がずれると、刷り上がりが二重になったり、ぼやけたりすることがあります。
• 同じ版で何度か試してみる：
  インクの量や拭き取り方を少しずつ変えて刷ってみると、それぞれ違った表情を楽しめます。
• 最初から完璧を目指さない：
  コラグラフは、素材によって刷り上がりが大きく変わります。まずは試し刷りをするつもりで、いろいろな方法を試してみましょう。

コラグラフを作るときの注意点

コラグラフは家庭でも気軽に楽しめますが、次の点には注意してください。

実際にコラグラフを作ってみた感想

実際に素材をぺたぺた貼って作ってみると、

「この布はどんな模様になるんだろう？」

「紐の線がこんなにきれいに出るんだ！」

と、刷り上がるたびに新しい発見があります。

特に面白いのは、素材を貼っている段階では想像できなかった模様が、紙を剥がした瞬間に現れること。

同じ版を使っても、インクの拭き取り具合や紙の湿らせ方によって、毎回少しずつ違った表情になります。

「次はこの素材を貼ってみよう」と試していくうちに、どんどん新しい組み合わせを試したくなるのもコラグラフの魅力です。

まとめ｜身近な素材でコラグラフを楽しもう

コラグラフは、布やレース、紐、ダンボールなど、身近な素材を貼り付けて作る「コラージュ版画」です。

特別な絵の技術や版画プレス機がなくても、今回のように瓶を使って刷ることで、自宅でも気軽に版画を楽しむことができます。

今回のポイントをまとめると、

• 身近な素材で版を作ることができる
• 素材の凹凸や質感が、そのまま版画の模様になる
• 絵を描くのが苦手でも楽しめる
• ボンドで素材をしっかり固定して、完全に乾燥させる
• 歯ブラシなどで凹凸にインクをしっかりなじませる
• 湿らせた紙と瓶を使えば、プレス機なしでも刷ることができる

まずは家にあるレースや紐、ダンボールなど、気になる素材をひとつ選んで試してみてください。

「これはどんな模様になるんだろう？」と、刷り上がりを想像しながら素材を組み合わせる時間も、コラグラフの楽しさです。

ぜひ、自分だけのコラグラフ作りに挑戦してみてください。

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Akemi

SNS企画第二弾を期間限定で開催します！

今回のテーマは、「過去の写真から、新しい見方を見つける」です。

スマートフォンやパソコンのフォルダに眠っている過去の写真を振り返り、抽象的に見える写真を投稿する企画です。

写真の一部分を切り抜いて見てもOK。
ハッシュタグとタグをつけて投稿するだけなので、どなたでもお気軽に参加いただけます！

企画のテーマや参加方法について、詳しくご紹介しますね！

今回のテーマは「過去の写真から探す」

前回の「抽象的視点」では外に出て風景の中から探しましたが、今回は少し視点を変えます。

スマートフォンやパソコンに眠っている、過去の写真を見返してみてください。

Akemi

写真フォルダの中に、今まで気づかなかった「面白い」が眠っていませんか？

旅行や散歩の途中で撮った写真、失敗したと思って放置していた写真……。

写真そのものは変わらなくても、時間が経つと「見る自分」が変わっています。

写真全体ではなく、一部分に目を向けてみると、

「ここ、なんだか抽象作品みたいで面白い！」

という新しい発見があるかもしれません。

今回は、そんな「見つけ直す楽しみ」をみんなで味わう企画です。

※もちろん、期間中に新しく撮った写真で参加していただいてもOKです！

「抽象的視点」についての考え方は、こちらの記事も参考にしてみてくださいね。

鈴木大拙の言葉から学ぶ、日常が輝き出す「抽象的視点」

参加方法

特別な知識や技術は必要ありません。

「抽象的でなんだか気になる」と思った写真を1枚選び、色、線、形、光、影、余白など、そこにある感覚に目を向けてみてください。

* 期間：2026年9月30日〜12月6日
* 参加費：無料
* 投稿回数：お一人様何枚でもOK！

「今日はちょっと面白いの見つけた！」という気軽な気持ちでご参加ください。

この企画で見つけてほしいこと

この企画は、撮影技術や構図を学ぶためのものではありません。

大切なのは、きれいに撮れているかではなく「今の自分には、どう見えるか」という小さな感覚です。

写真を見返すうちに、こんな気づきがあるかもしれません。

• いつも自分が無意識に惹かれているものに気づく
• 「失敗作」だと思っていた写真が、今の自分には魅力的に見えてくる
• 身近な写真から、自分だけの小さな発見を楽しむ

正解も、上手・下手もありません。

投稿いただいた写真への個別講評は行いませんが、それぞれが自由に見つけ、共有し合う時間を一緒に楽しみましょう！

みんなの「抽象的視点」と出会う

@akemi_kodama2 をタグ付けしていただいた投稿は、ストーリーズや企画用サイトで紹介させていただきます。

自分にとっては見慣れた写真でも、誰かにとっては「そんなところを見ていたんだ！」という新鮮な驚きになります。

一人ひとりの「見る」が集まることで、自分ひとりでは気づけなかった新しい世界の見方に出会えるのも、この企画の楽しいところです。

あなたの写真フォルダには、何が眠っていますか？

昔の自分が撮った写真を、今の自分が見直してみる。

そこには、当時の自分では見えなかった新しい魅力が眠っているかもしれません。

私自身も、自分の写真を見返しながら「自分は何を見続けてきたんだろう？」という探求を楽しみたいと思っています。

ぜひ、宝探しをするような気持ちで1枚探してみてくださいね！

#AkemiAbstractView2026

皆さんの「視点」に出会えるのを、楽しみに待っています！

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English Summary

Ichiro

最近よく聞く「アート思考」ってなんですか？ビジネスにも役立つの？

はい、その疑問に答えます。

Akemi

ビジネスでもアート思考という言葉を見かけるようになりましたが、いったいどういう意味なのか、少しわかりにくいですよね。

今回は、末永幸歩さんの『「自分だけの答え」が見つかる 13歳からのアート思考』を読んで、アート思考とは何なのか、そして実際にアート活動をしている私の視点も交えて考えてみました。

この記事では、本の内容を分かりやすく要約しながら、アート思考とデザイン思考の違い、仕事や日常への活かし方、そして私自身が実践を通して感じたことをまとめています。

『13歳からのアート思考』とは？

『13歳からのアート思考』は、現代アートを入り口にして、「自分だけの答え」をつくるための考え方を紹介している本です。

本の中では、マティス、ピカソ、カンディンスキー、デュシャン、ポロック、ウォーホルという6人のアーティストの作品を通して、アートを「上手な絵を描くこと」だけではなく、ものの見方や考え方として捉えていきます。

この本を読んで私が特に印象に残ったのは、完成した作品だけを見るのではなく、そこに至るまでの「考えるプロセス」に目を向けることでした。

Akemi

デュシャンとウォーホルの、既存の概念から外れた発想が面白かったです。

『13歳からのアート思考』の要約｜アート思考とは？

私がこの本から受け取ったアート思考を簡単に言うと、

正解を探すのではなく、自分の中にある興味や疑問から、自分なりの答えをつくっていくこと。

ということだと思います。

学校では、問題があって、そこには正解があることが多いですよね。

一方、アートでは「この問いに対する正解はこれ」と最初から決まっているとは限りません。

「なぜこう見えるんだろう？」
「本当にそうなのかな？」
「私はどう感じるんだろう？」

そんな疑問を出発点にして、自分で考え、試し、表現していく。

そして、その表現からまた新しい疑問が生まれる。

この循環が、アート思考の大きな特徴なのだと思いました。

「興味のタネ」から始まる

本の中では、アート思考を植物にたとえて説明しています。

興味のタネ → 探究の根 → 表現の花

まず、自分の中にある「なんだか気になる」という小さな興味があります。

そこから、そのことについて考えたり、調べたり、試したりする。

そして最後に、作品などの形になって表れてくる。

ここで大切なのは、最初から「どんな作品を作ろう」と考えることではありません。

自分の中にある興味や疑問を掘り下げていくうちに、結果として表現が生まれてくるという考え方です。

アート思考では「上手い＝良い」とは限らない

アートというと、絵が上手い人や、きれいな作品をつくる人を思い浮かべることがあります。

でも、現代アートを見ていると、必ずしもそうではありません。

一見すると簡単に見える作品でも、「なぜこれを作品にしたんだろう？」と考えさせられることがあります。

ここで重要になるのが、作品の技術だけではなく、その人が何に疑問を持ち、何を考え、どんな視点から表現したのかという部分です。

つまり、作品を見るときも「この作品の意味は何だろう？」と答えを探すだけではなく、

「私はこれを見て、何を感じたんだろう？」

と、自分の側にも問いを向けることができます。

アート思考とデザイン思考の違い

アート思考と一緒に語られることが多いのが「デザイン思考」です。

どちらも、決められた正解をそのまま探すのではなく、考えながら新しいものを生み出していくという点では共通しています。

ただ、出発点には違いがあります。

デザイン思考では、利用する人や顧客が抱えている問題やニーズを観察し、そこから解決策を考えていくことが中心になります。

それに対してアート思考では、自分自身の興味や疑問、価値観、感覚が出発点になります。

簡単に言えば、

「誰かの困りごとをどう解決するか」から始めるのがデザイン思考。

「私は何が気になるのか？」から始めるのがアート思考。

もちろん、実際には両者が重なる部分もあります。

ただ、「自分の中から生まれた問いを掘り下げる」という意味では、アート思考には独自の役割があると感じました。

アート思考は仕事や日常にも使える？

アート思考は、アーティストだけに必要なものではないと思います。

たとえば、仕事や生活の中で「これが普通だから」「今までもこうしてきたから」と考えていることがあったとします。

そこに、

「本当にそうなのかな？」
「なぜこうなっているんだろう？」
「私はどうしたいんだろう？」

と問いを持ってみる。

すぐに答えを出す必要はありません。

考えて、試して、少し変えてみる。

その結果から、また新しい問いが生まれる。

こう考えると、アート思考は特別な人だけが使う考え方ではなく、日常の中でも取り入れられるものだと感じます。

たとえば、仕事の進め方、新しい商品やサービスの企画、社内のルールなど、いつの間にか当たり前になっていることはないでしょうか。

そんなとき、「そもそも、なぜこの方法なのか？」「本当にこのやり方でいいのだろうか？」「別のやり方はないだろうか？」と問い直してみる。

すぐに正解を出そうとするのではなく、いくつかの方法を考え、実際に試してみる。そこから新しい発見が生まれれば、最初に立てた問いそのものが変わることもあります。

これは、正解が決まっていない企画や、新しい価値を考える場面でも役立つ考え方です。

『13歳からのアート思考』を読んだ感想

この本を読んで最初に思ったのは、

「これ、私が日々の制作や日常でやっていることそのものだ」

という驚きでした。

まったく新しい方法を教えてもらったというより、これまで自分が感覚的にやってきたことを、言葉にしてもらったような感覚です。

私は普段、何か気になるものがあると、それをそのままにせず、写真を撮ったり、調べたり、文章にしたり、制作の実験をしたりします。

そして、そこからまた別の疑問が出てきます。

これは、本の中に出てくる

興味のタネ → 探究の根 → 表現の花

という流れとかなり近いものでした。

「抽象的視点」の活動にもつながっていた

特にハッとしたのは、以前SNSで行った「抽象的視点」という企画や、私がテーマにしている「COLLECTIVE SELF」という考え方との共通点です。

普段なら「道路」「壁」「葉っぱ」として見過ごしてしまうものを、色、形、線、光、質感、影などに注目して眺めてみる。

「何を見るか」ではなく、「どう見るか（自分だけの見方）」を変えてみること。

考えてみると、これもアート思考につながる実践だったのかもしれません。

身の回りにあるものを別の角度から見てみることで、今まで気づかなかったものが見えてくるからです。

「自分だけの答え」は、最初から決まっていない

もう一つ、この本を読んで自分の制作について考えたことがあります。

私は「COLLECTIVE SELF」という考え方で、記憶や経験、人との関係、日々の出来事などが重なりながら、自分自身が形づくられていくことを考えています。

そう考えると、「自分だけの答え」も、最初から自分の中に完成した形で存在しているわけではないのかもしれません。

経験したこと。

出会ったもの。

そのとき感じたこと。

考え直したこと。

それらが積み重なり、その時々の自分の答えがつくられていく。

そして、また新しい経験によって、その答えも変わっていく。

だからこそ、答えを急いで決めるよりも、気になったことを拾い、問いを持ち続けることが大切なのだと思いました。

『13歳からのアート思考』を読んで考えたこと

この本を読んで、アートは「答えを出して終わるもの」ではなく、そこからまた新しい問いが始まるものなのだと改めて感じました。

何かを見て、「これは何だろう？」と思う。

調べてみる。

自分でも試してみる。

やってみたら、最初とは違う疑問が出てくる。

その繰り返しの中から、自分なりの表現や考え方が少しずつ形になっていく。

「正解を探す人」から「問いをつくる人」へ。

この視点は、アートだけではなく、これから何かを学んだり、新しいことを始めたりするときにも使えそうです。

まとめ｜まずは「今、何が気になっている？」から

『「自分だけの答え」が見つかる 13歳からのアート思考』を読んで、私が一番大切だと感じたのは、自分の中にある小さな興味や疑問を、そのままにしないことでした。

「こんなことを気にしているのは自分だけかもしれない」と思うことでも、そこから調べたり、考えたり、試したりすることで、自分だけの視点につながっていく。

アート思考とは、特別な才能がある人だけのものではなく、日常の中で「なぜ？」「本当に？」と立ち止まり、自分の視点で考えてみることから始まるのかもしれません。

私もこれから、何かを始めるときに「何を作ろう？」と考えるだけではなく、

「今、私は何が気になっているんだろう？」

というところから始めてみたいと思います。

English Summary

This article explores the idea of “Art Thinking” through the book Art Thinking from Age 13: Finding Your Own Answer by Sachi Sueinaga.

The book uses modern art as a starting point for thinking about how we can develop our own perspectives instead of simply looking for predetermined answers. Through artists such as Matisse, Picasso, Kandinsky, Duchamp, Pollock, and Warhol, the book encourages readers to look beyond artistic technique and consider the questions, ideas, and processes behind a work.

One of the ideas that stayed with me was the process described as:

Seed of Interest → Roots of Exploration → Flower of Expression

It begins with a small feeling of curiosity: “Why am I interested in this?” From there, we investigate, think, experiment, and eventually express what we have discovered in some form. The important point is that the final expression does not necessarily have to be decided at the beginning. It can emerge through the process of exploration.

This also helps explain the difference between Art Thinking and Design Thinking.

Design Thinking often begins with the needs or problems of other people and asks how they can be solved. Art Thinking, on the other hand, can begin with the artist’s own curiosity, questions, values, and sensations.

In simple terms, Design Thinking may begin with:

“How can I solve someone’s problem?”

While Art Thinking may begin with:

“What am I curious about?”

The two approaches can overlap, but Art Thinking places particular importance on following one’s own questions and developing a personal perspective.

Reading this book also made me realize that this way of thinking is already connected to my own artistic practice.

When I become interested in something in everyday life, I often photograph it, research it, write about it, or experiment with it through art. One question often leads to another.

This is closely connected to my own project “COLLECTIVE SELF”, which explores how memories, experiences, relationships, and everyday events accumulate and shape who we are.

It is also connected to my previous social media project, “Abstract Perspective,” where I encouraged people to look at ordinary things from a different point of view.

A road, a wall, or a leaf can suddenly become something else when we stop looking at it only as an object and begin paying attention to its color, shape, line, light, texture, or shadow.

In that sense, Art Thinking is not only about making art. It is also about changing how we see.

The book also made me reconsider the idea of “finding your own answer.” Perhaps our own answer is not something that already exists inside us in a complete form.

Our experiences, encounters, sensations, memories, and reflections accumulate over time. Through them, our answers gradually take shape—and they can change again as we encounter something new.

For me, this is one of the most interesting aspects of Art Thinking:

Art does not necessarily end with an answer. An expression can become the beginning of another question.

Instead of always trying to become someone who finds the correct answer, perhaps we can become someone who learns to create better questions.

For my own practice, this means asking myself not only “What should I make?” but also:

“What am I curious about right now?”

That small question may become the beginning of the next work, experiment, or discovery.

Related themes:
Art Thinking / Contemporary Art / Design Thinking / Curiosity / Questions / Perspective / Creative Process / COLLECTIVE SELF

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こんにちは、児玉明美です。
トライアングルギャラリーの企画展「作為の写真展」に出展する予定です。
お楽しみに！

「作為の写真展」について

「作為の写真展」は、演出された写真、作り込んだ記念写真、フェイク写真、修正や加工された写真、自身の作品や創作物を撮影した写真、CM写真、写真のコラージュ作品、写真を使って表現された作品など、「作為」を含むさまざまな写真表現を集めた企画展示です。

「作為の写真展」展示会情報

トライアングルギャラリーにて開催される「作為の写真展」の詳細は以下の通りです。

▼ Exhibition Flyer

この記事が、あなたと新しいアートとの出会いのきっかけになれば幸いです。

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