Ichiro

「毎日同じことの繰り返しで、少し退屈だな……」

「作品づくりのアイデアが思い浮かばない……」

そんなふうに感じたことはありませんか？

私たちは「新しいアイデア」は遠くにあると思いがちですが、本当に大切なヒントは、実は毎日の暮らしの中に隠れています。

そこで今回は、マリメッコやSOU・SOUで世界的に活躍したテキスタイルデザイナー・脇阪克二さんの著書、『脇阪克二のアイデア箱 つくりながら日々暮らす』をご紹介します。

この本は、デザインの考え方がとても印象的なだけでなく、脇阪さんの温かい作品も数多く掲載されており、ページをめくって眺めているだけでも心がほっと癒やされる一冊でした。

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個展『COLLECTIVE SELF』から生まれた小さなワークショップを開催しました。
この体験に込めた想いについて、もう少し深掘りして説明したいと思います。

展示をご覧いただいた最後に、来場者自身がひとつの断片を選び、日付を刻み、3ヶ月後の自分へ手紙を書く。一見、とてもシンプルな体験です。
しかしその裏側には、私が個展全体で問い続けてきた「過去の断片が今に繋がり、今の瞬間が未来をつくる」という時間の循環への深い結びつきがあります。
この記事では、このワークショップがどのように他の展示作品（マンスリーカレンダーや写真作品）と響き合い、参加された皆さんの「今、ここ」を未来へと繋ぐ「時間を超える架け橋」となっていったのか。そのプロセスと、そこに込めた想いを詳しく紐解いていきます。

We held a special, hands-on workshop born from the solo exhibition “COLLECTIVE SELF.” Here, I would like to dive a little deeper into the story and the thoughts behind this experience.

At the conclusion of the ‘COLLECTIVE SELF’ journey, visitors were invited to select a single fragment, engrave it with the date, and write a letter to their future self three months away. While it may appear to be a simple act of letter-writing, this experience is deeply rooted in the exhibition’s core philosophy: the belief that fragments of the past are woven into our present, and that the present moment, in turn, creates our future.

In this article, I will unveil how this workshop resonates with other works in the exhibition—such as the ‘Monthly Calendar’ and ‘Photography’ series—and how it serves as a ‘bridge across time,’ connecting your ‘here and now’ to the future. I hope to share the intricate process and the heartfelt thoughts behind this design.

展示の最後に生まれた体験

作品をただ眺めるだけでなく、自分の手を使って参加する。会場を巡って心が動いた瞬間のままに、自分自身の物語を編み直す場所を作りました。誰かの作品を見るという体験が、ここでの「書く」という行為を通して、自分自身の人生を見つめる時間へと変わっていきます。

Rather than just observing, visitors became participants. This was a place to re-weave one’s own story while the heart was still moved by the art. The experience of viewing transformed into a time of self-reflection.

なぜ「未来への手紙」なのか

現代の忙しさの中では、大切な記憶さえもすぐに薄れていってしまいます。過去の断片（カケラ）を手がかりに、「今の自分」が感じたことを封じ込め、未来の自分へと届ける。これは、バラバラになりがちな時間を一本の線で繋ぎ直し、自分自身を見失わないための「時間を超える架け橋」なのです。

By sealing current feelings into a letter to the future, we reconnect our timeline. It serves as “A bridge across time” to keep in touch with who you truly are in this fast-paced world.

Akemi

ここでは、未来の自分のために決意、目標など自由に書いてもらいます。
決意、目標であれば、今から90日間新しい物語が始まるのです。

“Please feel free to write down your resolutions, goals, or hopes for your future self. Writing them down marks the very first page of your new 90-day story starting today.”

ワークショップのプロセス

Step1 断片を選ぶ

なぜその断片に惹かれたのか。その理由は言葉にできないかもしれません。しかし、その直感こそが、今の自分自身を映し出す小さな手がかりになります。

会場では、参加者の皆さんがしばらく素材を眺めながら、それぞれの感覚で一枚を選んでいました。迷いながら選ぶ時間そのものも、このワークショップの大切な一部でした。

この「選ぶ」という行為は、展示作品の『マンスリーカレンダー』と繋がっています。私が128日間、毎日欠片を拾い集めたように、あなたもまた直感で何かを掬い上げる。その瞬間に、あなただけの表現が始まります。

At the venue, participants took their time observing the materials and choosing one based on their intuition. The time spent hesitating and choosing was itself an essential part of the workshop.

Step2 時間を刻む

「日付は単なる数字ではなく、あなたがこの瞬間を生きていた証です。」

スタンプを押し、「I am here」というシールを貼る。この行為は、私のまなざしを記録した『写真作品』と共鳴しています。日付という印によって、流れる時間の中に「今の自分」を力強く繋ぎ止めます。

“The date is not just a number, but proof that you were living in this moment.” By stamping and placing the “I am here” sticker, you anchor your current self, resonating with the “Photography” series.

Step3 未来へ届ける

書き終えた手紙は、90日後の未来へと大切に届けられます。手紙が届いたとき、そこにある断片や言葉に触れることで、再び「あの時の感覚」と出会うことができます。過去の断片が今に繋がり、今の瞬間が未来を作っていく。そんな時間の循環を肌で感じる体験です。

The letter will arrive in 90 days. It’s a cycle where past fragments connect to the present, and the present moment creates the future. You will reunite with your past sensations when you open it.

COLLECTIVE SELFとの接続

このワークショップは、個展「COLLECTIVE SELF」全体を貫くテーマの「まとめ」でもあります。断片を切り取ることは『マンスリーカレンダー』の積み重ねを、日付を刻むことは『写真作品』が捉えた一瞬の記憶を、それぞれ自分自身のこととして体験する試みです。

展示を「見る」という行為は、自分自身を見つめ直し、新たな時間として編み直す体験へと変わります。

そして90日後、一通の手紙とQRコードによって、その体験はもう一度展示の記憶へと繋がります。
会期中に参加者一人ひとりが残したカードは、Web上でひとつのアーカイブとして編まれていきます。

それは作品を保存するためではなく、それぞれが生きた「今」という時間を、ひとつの大きな記憶として残していくためです。COLLECTIVE SELFは、私一人の作品ではなく、この場所を訪れたすべての人の時間が重なり合うことで完成する作品なのです。

Ninety days later, a single letter and its accompanying QR code reconnect each participant with the memory of the exhibition.
The cards created by every participant throughout the exhibition are gradually woven together into a shared online archive.

This archive is not intended simply to preserve the artworks. Rather, it exists to preserve the unique moment of “now” that each person lived and experienced—bringing those moments together as one collective memory.

COLLECTIVE SELF is not completed by my work alone. It becomes whole through the overlapping moments, memories, and lived experiences of everyone who visited this place.

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Akemi

あなたは、最後に心から「美しい」と感じた瞬間を覚えていますか？

私たちは毎日たくさんのものに囲まれていますが、その一瞬の驚きや感動を、いつの間にか見過ごしてしまっているのかもしれません。

レイチェル・カーソンの名著『センス・オブ・ワンダー』を読みました。

自然について書かれたこの本は、創作やアート表現にも深くつながる一冊でした。

本書が伝えているのは、「知ること」よりも「感じること」の大切さです。

この本を読みながら、私は自分が制作している抽象作品や、日常の断片を集める創作活動との深いつながりを感じました。

この記事では、『センス・オブ・ワンダー』の感想とともに、抽象表現を制作する私自身の視点から、この本が教えてくれた「日常の中に美しさを見つける視点」について綴ります。

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English Summary ↓

こんにちは、児玉明美です。

トライアングルギャラリーで開催された、企画展「モノクローム2026」での私の展示『MONOCHROME：言葉とリズムの断片』の記録です。
同じテーマからさまざまな作品に触れ刺激をたくさんいただきました。
ギャラリーのオーナー中谷様、参加したアーティストの皆様、ありがとうございました。
そして会期中、会場へ足を運んでくださった皆さま、心から感謝しています。

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「モノクローム 2026」とは？

モノクローム（白黒、単色、または単一色の濃淡で表現された）作品を展示いたします。

「モノクローム・マジック」(橋本修一)
写真や映画、それらが生まれた時、白黒だった。テレビ受像機やコンピューターディスプレーも、モノクロ（白黒）から始まった。色彩のない世界はどこか現実世界とは違う幻の世界の様で、夢やロマンに満ちていた気がする。
表現者は色彩から解放された時、どんな世界を垣間みるのだろう。初夏のギャラリーでモノクロームの夢を見るのも良いかもしれない。

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「モノクローム 2026」展示会情報

トライアングルギャラリーにて開催された「モノクローム 2026」の詳細です。

展示会名	モノクローム 2026
開催期間	2026年6月21日（日） – 7月1日（木） 12:00-18:00 (最終日は17:00まで)
休廊日	木・金
会場	トライアングルギャラリー 大阪府箕面市桜井2-10-5（阪急桜井市場内）
出展作家	詳細はチラシ（DM）をご覧ください

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■ 展示コンセプト：色になる前の、心の奥深くへ

今回の展示は、2026年5月に開催した個展『COLLECTIVE SELF（集積された自己）』の第二章として作りました。

前回の個展では、ルービックキューブが示す「43京通りもの確率から選ばれた『今ここ』にある奇跡」や、ページをめくるリズムで時間を感じる本などを通して、自分を形づくる「外の世界との繋がり」を展示しました。

それに対して今回の『MONOCHROME』は、あえて「色」という情報をなくすことで、自分の内側へと深く潜っていくための、静かな雰囲気のような場所を目指しました。

「色になる前に、何があるのだろう。言葉になる前の感覚、形になる前の記憶。」

詩人リルケの「あなたの内へおはいりなさい」という言葉を入り口に、色が消えた世界だからこそ聞こえてくる「心臓の鼓動」や「呼吸」のリズムに、そっと耳を澄ます空間を作りました。

■ 鑑賞体験：自分を見つめる3つのステップ（3 STEP）

幅70cmという限られたスペースを、皆さんが自分のリズムを取り戻すための特別な場所にしました。
会場を訪れた方が、どのような手順を辿って「内省」へと向かったのか。3つのステップで振り返ります。

STEP１：冊子（ZINE）をめくり、心を整える

最初に手にするのは、私の言葉とイメージを編んだ24ページの冊子です。1ページずつゆっくりめくることで、ざわざわした日常から、展示の静かな世界へと気持ちを切り替えていきます。

最後に書かれた『「今」という瞬間に出会う』という言葉が、この作品のゴールです。

STEP 2：大きな作品（Mixed Media）の前で、自分と向き合う

冊子を読み終えた視線の先にあるのは、白と黒だけで描かれた大きな作品です。

段ボールのざらざらした質感や、墨の滲み、剥き出しの言葉が重なり合う画面をじっと見つめていると、言葉になる前の自分の「本当の気持ち」が静かに浮かび上がってきます。

STEP 3：今の自分にぴったりの「言葉（Fragment）」を読む

最後に、大きな作品の断片から生まれたハガキサイズの作品を手に取ってもらいます。ハガキの裏には数字が記載されています。これは単なる番号ではなく、「私がその作品を、その瞬間に制作していた【実際の時間】」を記録したものです。私の「命のリズム」を、感じていただきました。
またハガキ作品の裏には言葉を刻んでいます。

 

■ 最後に

今回私が言いたかったことは、次のことです。

「本当に大切なものは、見えない」。

モノクロームの世界で視点を変えたとき、皆さんが自分自身の「内側のリズム」に気づく瞬間のきっかけになっていただけたら嬉しいです。

この展示で生まれたカケラ（Fragments）たちは、また次の作品へと循環し、続いていきます。
ご来場いただいた皆さま、誠にありがとうございました。

Exhibition Concept: “MONOCHROME”

This exhibition was created as the second chapter of my solo exhibition series, COLLECTIVE SELF, following my exhibition held in May 2026.

While the previous exhibition explored our connection with the outside world, MONOCHROME removes color in order to invite viewers to turn inward.

Inspired by Rainer Maria Rilke’s words, “Go into yourself,” the exhibition creates a quiet space where visitors can become aware of their own breathing, heartbeat, and inner rhythm before thoughts become words and memories become forms.

The Experience (3 Steps)

1. Step 1 — Read the ZINE
   Visitors begin by slowly reading a 24-page ZINE that gently shifts their attention from everyday life into the quiet atmosphere of the exhibition.
2. Step 2 — Face the Artwork
   Standing before the large monochrome mixed-media work, visitors observe textures, traces, and fragments of language, allowing unspoken emotions to emerge.
3. Step 3 — Choose a Fragment
   Visitors intuitively choose one postcard-sized fragment. The number printed on its back records the actual time when the work was created, preserving a trace of lived time.

Closing Thoughts

“The most important things cannot be seen.”

Through the monochrome world, I hoped visitors would rediscover the quiet rhythm that already exists within themselves.

The fragments born from this exhibition will continue to evolve into future works.

Thank you sincerely to everyone who visited and shared this experience.

“児玉明美個展「COLLECTIVE

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この記事が、あなたと新しいアートとの出会いのきっかけになれば幸いです。

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Artworks & Project Archive

By engaging with the artworks, viewers encounter new perspectives. I have archived these irreplaceable moments of “now” as a singular art experience.

Photography: Abstract Perspective — The Boundary Line between “Meaning” and “Sensation”

Seventeen photographic works that close up and abstract everyday scenes. Intentionally blurred “words” are layered on top. The moment we see text, we unconsciously look for “meaning.” However, we should also be able to just “feel” the colors and shapes beneath. Do we capture the meaning, or do we simply immerse ourselves? This exhibition explores the “ambiguity of perception” that fluctuates at that very boundary line.

A Book Read by Rhythm — 128 Pages Interpreted through Physicality

This is a “book artwork” spanning 128 pages. The left and right pages feature complementary colors and various paper textures (the same materials used in the artworks) pasted together, creating accidental encounters every time a page is turned. This is not a book to be “read,” but a dynamic medium designed to make you experience “sensation,” “time,” and “breath” through the rhythm of turning pages.

Viewing Art through “Frames” and “Magnifying Glasses”: A New Perspective

A large collage artwork displayed in the center of the venue. It was presented to let viewers directly feel the texture of the raw, exposed canvas. Holding up a “rusted frame” allows you to crop your own favorite section within the boundaries. Gently bringing a “magnifying glass” close reveals the rhythms and textures of the paper materials and layered paint. Shifting from a gaze that scans the whole to a perspective that actively selects a part. You can experience the moment art is reborn again and again by your own hands.

Jenga: Stacking “Uncertain and Free Choices”

An interactive Jenga artwork where each piece is adorned with words and collages. Roll the dice and freely stack the Jenga piece in a new spot. Things that crumble, and things that are newly born. “The scenery of this very moment” rising between that uncertain balance serves as a metaphor for the choices we make every single day.

Rubik’s Cube: Approximately 18 Quintillion Combinations

An artwork featuring collages applied to two Rubik’s Cubes. The number of possible combinations is around 18 quintillion (1.8 × 10^19). With just a slight shift, a completely unique color combination appears, one that may never be repeated again. Our everyday moments are a continuous series of changes just like this cube. It visualizes the “miracle of the moment”—why “this exact state” currently exists right before our eyes.

Monthly Calendar: “Strata of Time”

An accumulation of time (process art) documenting everyday fragments without fail for 128 consecutive days. It visualizes the journey of how daily acts, carried out quietly, eventually rise up as a single landscape. The sense of achievement from the growing numbers and the tangible feeling of survival—of “being here now”—manifests physically as the thickness of the pages. Even the intentionally left “blank pages” shape a part of the self as fragments of “precious days forgotten.”

SNS Project: An Abstract Perspective Shared with Everyone

In an online initiative launched ahead of the exhibition, 125 entries of “dated fragments of daily life” were gathered over two months. Dates and times carved out in different regions and distinct moments. By stripping away the practical meaning of everyday landscapes and reinterpreting them purely as colors and shapes, these fragments met in an online space, connecting into a powerful expression of a massive collective community living through the same era of “now.”

Workshop — A Letter to the Future: “Memories of Carved Time”

This workshop invites participants to write a letter to their future self three months from now after fully experiencing the exhibition. They select a fragment from the prepared artwork materials, mark it with “I am here,” and seal away their current thoughts. It is an experience designed to cultivate an awareness that the present flows continuously into the future.

Stepping away from the rapid pace of daily life to converse with oneself, this time serves as a mechanism that spans across time and space, linking separate points on one’s timeline. Throughout the exhibition period, 20 participants took part. Thank you very much.

Objects in the Back Room: Accumulation of the Unconscious

The back room of the venue. Here, objects possessing physical mass, such as wires and old screws, quietly reside. The faint swaying of the wires represents shifting emotions, while the gravity of the screws and wooden blocks speaks of unalterable past facts, conversing directly with the viewer’s unconscious mind.

Behind the Scenes of Thought: The Evolution of Creation

In the back room, the vast intellectual process underlying this exhibition was laid open to the public. 155 pages of handwritten notebooks compiled leading up to the show, a 57-page movie review booklet containing conceptual reflections, and photographs recording the production process. This “invisible mass of thought,” forged through repetitive self-questioning and trial and error, is the most vital source of this solo exhibition.

Artist’s Reflection

Having completed this solo exhibition, my own perspective has shifted profoundly. I have come to realize that ‘to frame the world is to shape oneself.

‘ My intention throughout the space was not for viewers to simply ‘understand’

the work, but to open their senses to it. I am filled with gratitude for everyone who engaged with the artwork through your own unique perspectives and helped create that space together. Your presence was the very ‘fragment’ that completed this exhibition.

I would also like to express my heartfelt thanks to you, for opening this archive page and reading through it to the very end.

The questions raised during the exhibition continue to unfold in my daily life even now. Cherishing the sensations shared with all of you, I am moving forward to the next chapter of my expression. I hope you will continue to watch over this journey of perception.

 

Carrying forward the experience we shared, my practice now enters its next chapter—a world where every color has been stripped away, leaving only presence, rhythm, and light.
→ The Second Chapter: COLLECTIVE SELF — MONOCHROME2026

“MONOCHROME2026”

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Akemi

展示「SIDE BY SIDE」会場でのワークショップ、全日程を無事に終了いたしました！

たくさんの方に足を運んでいただき、本当にありがとうございました。色とりどりの素材が皆さんの手によって新しい形に変わっていく様子は、私にとっても、かけがえのない時間でした。

ワークショップを終えて：フィードバック

開催期間中、たくさんの方に「自分だけの表現」を体感していただきました。

• 「楽しかった！」というたくさんの声：ふらっと通りがかったアートをやったことのない方からアーティストさんまで、多くの方に参加いただきました。皆さんが「楽しかった」と感想を言ってくださるのが本当に嬉しいです。
• 静かな集中とおしゃべりの時間：黙々と素材と向き合う時間も、会話を楽しみながら手を動かす時間も、どちらも豊かなリズムとなって会場に流れていました。
• 素材が生み出す新しい表現：様々な布やパーツを自由に組み合わせることで、私自身も想像していなかったような新しい表現が次々と生まれました。
• 個性が光る作品たち：一つとして同じものがない、参加された皆さんの個性が溢れ出す作品がたくさん誕生しました。

ワークショップの様子

初日から、たくさんの方に「小さな表現」を楽しんでいただきました。

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Ichiro

今回のグループ展「SIDE BY SIDE」での作品について教えてください

Akemi

今回の私のテーマは、色彩と響き合うリズムです。
日常の何気ない瞬間に潜む「彩」を感じるような、私なりの試みが詰まっています。

今回の展示は、3人の作家によるグループ展です。
それぞれの個性が会場でどのように響き合うのか、私自身も今からとても楽しみにしています。

グループ展「SIDE BY SIDE」で私は、色と音楽をメインに構成しています。
展示を見る前に、私の制作で大切にしていることを、少しだけお知らせしたいと思います。

音を聴くように、色を感じてほしい

今回の展示でいちばん大切にしたのは、「色」そのものが持つエネルギーです。

制作中、ずっと聴いていたのは、ガーシュウィンの「ラプソディ・イン・ブルー」でした。都会のざわめきさえも、軽やかな旋律に変えてしまう名曲です。

そんな音楽のリズムに乗るように、今回は描き出した作品をあえて一度「分解して、再構成する」という方法を選びました。

一番のメイン作品は、100枚描いた抽象ペイント画を一度バラバラにし、その断片たちを響き合わせるように再構築したものです。
会場では、私が制作時に聴いていたこの音楽とともに、一つひとつの色が共鳴するリズムをぜひ感じてみてください。

リルケの詩に導かれて

リルケの詩は、私の感覚に言葉を添えてくれました。
今回の制作のヒントになった詩の一節をご紹介します。

あまりにも久しく抑えられていた幸福が
既に一層高く吹き出して　牧場にいっぱいあふれている
背伸びをした巨人の夏は　既に感じている
老いた胡桃の樹のなかで　その青春の衝動を

軽やかな花はやがて散ってしまった
いまはもっと厳めしい樹々に忍び込んで働いている
けれどそれらの樹々をめぐって　空間がなんという円天井を作っていることだろう
そして今日から今日へ　なんと多くの明日があったことだろう

この詩は「形が失われても、本質的な生命力が育ち続けること」を教えてくれます。

きれいな花が散っても、命は終わるのではなく、木の内部で静かに力を蓄え、やがて豊かな「空間」を作ります。
私の作品も、一度形を離れてバラバラになることで、色の一つひとつがより自由に、鑑賞者を包み込むような「心地よい時間」を作り出すことを目指しました。

色とリズムを読み解くヒント

リルケの詩と、私の作品がどう響き合っているのか。その紹介を少しだけ。

「抑えられていた幸福が、既に一層高く吹き出して」

ずっと自分の中にあった「色」を、キャンバスの上で自由にコラージュしました。

「軽やかな花はやがて散ってしまった。いまはもっと厳めしい樹々に忍び込んで働いている」

一度分解することで、色の断片はより力強く、リズムを刻み始めます。

「空間がなんという円天井を作っていることだろう」

今回取り入れたワイヤーの線と、そこから生まれる繊細な「影」。
それらが色彩と混ざり合い、空間全体を包み込むひとつの場所を作ります。

「今日から今日へ、なんと多くの明日があったことだろう」

ここで出会った色のリズムは、素材としての命を引き継ぎながら、5月の個展へと続いていきます。

色彩、音楽、そして言葉。

ぜひ会場で、音と言葉と色とリズムが響き合う瞬間を見つけに来てください。

展示空間と日常をつなぐ「AKORTE」

また会場では、私の新ブランド「AKORTE」の商品も手に取っていただけましたら幸いです。

制作を通して見つけた色のリズムや、日常の中の「彩」を、形を変えてお届けしたいという想いで用意しました。
展示で感じた空気感を、ぜひお持ち帰りいただけたら嬉しいです。

【展示会レポート】SIDE BY SIDE — 3つの抽象と色彩が響き合った11日間2026/4/23-5/3

異なる3つの個性が『SIDE BY SIDE（となりあわせ）』に並ぶとき、ひとつの新しい空間が生まれます。
一人では描けなかった色彩のハーモニーと、会場を包む心地よいエネルギー。3人の作家が贈る、色と抽象の特別な空間をぜひお楽しみください。

AKORTE（アコルテ）」始動。色とリズムが溶け合う、小さなアートドール

新ブランド「AKORTE（アコルテ）」が誕生。ブランド名に込めた想いと、展示会「SIDE BY SIDE」で披露するシリアルナンバー入りのアートドールについて。日常にアートの視点を届ける新しい挑戦。

皆さまのお越しを、心よりお待ちしています。

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Ichiro

最近、意識して抽象画などを観るようにしているんですけど……正直に言うと、何が素晴らしいのか、さっぱり分かりません。何か、正しい鑑賞のルールのようなものってあるんでしょうか？

Akemi

『目』ではなく『頭』で理解しようとされているのかもしれませんね。禅の思想を世界に広めた鈴木大拙は、このような言葉を残しているんですよ。

「神秘は、我々の日常生活のそのものの中にある。」
—— 鈴木大拙

 

Ichiro

神秘が、私たちの日常にある……。アートというのは、美術館にあるようなもっと特別な存在だと思っていました。

Akemi

そう思いますよね。でも大拙は、私たちが『名前』という眼鏡をかけて世界を見ているために、その神秘に気づけなくなっているのだと説いています。
コップを単なる『道具』としてしか見ないとき、そこに反射する光の美しさは見落とされてしまいます。その眼鏡を一度外すためのヒントが、彼が提唱した『即非（そくひ）の論理』にあるんです。

この記事では、鈴木大拙の深い知恵をヒントに、私たちの日常をアートに変える「抽象的視点」の磨き方をお伝えします。知識で作品を追いかけるのではなく、心のフィルターを外して世界に触れる心地よさを、一緒に探ってみましょう。

この記事の内容

• 「抽象的視点」の本当の意味： 知識ではなく、心のフィルターを外して世界に触れる方法
• 鈴木大拙の「即非の論理」： 世界をありのままに捉え、日常を更新するための思考法
• 日常をアートに変える技術： 特別な場所へ行かなくても、毎日の中に「かけがえのない瞬間」を見つけるコツ
• 偉人たちへの影響： マーク・ロスコとジョン・ケージが受け取った「静かな革命」
• 実践編： 感性を磨き、自分自身を自由にするSNSアウトプット術

「世界のダイセツ」と呼ばれた、一人の日本人

鈴木大拙（1870-1966）は、明治から昭和にかけて活躍した仏教学者・哲学者です。金沢に生まれ、アメリカやヨーロッパの大学で「禅（ZEN）」の思想を英語で伝え続けました。

彼は、禅を単なる宗教としてではなく、「人間が本来持っている、世界を直感的に捉える知恵」として広めました。その功績から、ノーベル平和賞の候補にも選ばれるなど、20世紀の思想界において世界で最も有名な日本人といっても過言ではありません。

世界をありのままに観る「即非の論理」

Ichiro

即非の論理、ですか。初めて聞く言葉ですが、具体的にどういう考え方なんですか？

Akemi

言葉自体は難しく感じますが、本質はとてもシンプルですよ。大拙はこう表現しました。
『AはAではない、ゆえにAである』と。

【私たちが「錆びた壁」を観るとき】

①「A（錆）はA（錆）ではない」
『これは古い錆だ』と決めつけて見るのを一度やめてみます。すると、それは『錆』という言葉の枠を超えて、深い茶色のグラデーションや、複雑な凹凸、時間が描いた痕跡として見えてきます。まず、既成概念としての名前を否定してみます。

②「ゆえにA（錆）である」
名前というフィルターを外して、その質感に心が動いたとき。その瞬間にようやく、あなたは本当の意味で、目の前の『そのもの（A）』に出会えたことになります。これが、大拙の言う『ありのまま』を観るということなんです。

Ichiro

なるほど……。『分かったつもり』にならず、ただ目の前の色や形を素直に受け入れる。それが、抽象アートを観る第一歩になるんですね。

「抽象」とは、本質を抜き出すこと

本来、抽象（Abstraction）とは「本質を抜き出す（抽出する）」という意味です。

余計な意味や名前を剥ぎ取った後に残る、純粋な色、形、リズム。そこに意識を集中させることは、自分と世界が静かに共鳴する体験そのものです。
心のフィルターを外すことで、私たちは世界を初めて、素手で触れるかのように鮮やかに感じることができるようになります。

鈴木大拙がアートに与えた影響

鈴木大拙（1870-1966）の思想は、現代のアートや音楽のあり方を根底から変えてしまいました。特に彼に強い影響を受けた二人の巨匠を紹介します。

■ マーク・ロスコ（画家）
巨大なキャンバスに、ぼやけた色彩の面を重ねた「色面絵画」で知られます。彼は大拙の思想を通じて「目に見える形」を捨て、鑑賞者が色彩のなかに沈み込み、自分自身の内面と向き合うような深い瞑想的空間を作り上げました。

■ ジョン・ケージ（音楽家）
「4分33秒」という、演奏者が全く楽器を弾かない曲で有名な作曲家です。彼は大拙から禅を学び、「沈黙」のなかで偶然鳴り響く周囲の雑音さえも音楽であると定義しました。作為を捨てたところに現れる美しさを追求したのです。

 

彼らが追求したのは、描かれた対象そのものではなく、「そこにある空間や意識の広がり」でした。大拙が説いた、自分と対象が一体になる瞬間。それは抽象アートを通じて、今の私たちにも脈々と受け継がれています。

鈴木大拙の思想は、現代のアートだけでなくビジネス、心理学の意識も変えました。

■ スティーブ・ジョブズ（Apple創業者）
iPhoneの極限までシンプルなデザインや、「直感を信じる」という哲学。ジョブズは大拙の著作などを通じ、余計なものを削ぎ落とした先に本質が現れるという「禅」の思想を、製品づくりに取り入れました。

■ カール・ユング（心理学者）
心理学の巨匠ユングも、大拙と交流がありました。論理だけでは解決できない「無意識」の領域を、禅がいかに鮮やかに扱っているかに衝撃を受け、大拙の著書に寄せ書きをするほど敬意を払っていました。

鈴木大拙：おすすめの本

鈴木大拙の知恵に触れてみたい方へ、初心者の方でも入りやすいおすすめの一冊をご紹介します。
本書は、私たちの日常生活がいかに尊いか、そして「直感」がいかに大切かを教えてくれます。

リンク

日常を「何気ない輝きの連続」に変える私のアート術

私は日々、制作や撮影を通して、「何でもない日は、実は何気ない輝きの連続である」と感じています。
ふと足を止めて、地面に伸びる電柱の影や独特なテクスチャを見てみる。

鈴木大拙の言葉を心に置くと、いつもの風景が全く違う表情を見せてくれます。

Akemi

「描こう」としなくても大丈夫。まずは「観る」ことから始めてみてください。

実際に体験して感覚をつかもう

実践編：「抽象的視点」を集めるプロジェクト

この思考を日常で形にするために、現在SNSでプロジェクトを開催しています。
皆さんが日常で見つけた「抽象的な断片」を写真に撮り、共有し合う試みです。

必要なのは、鈴木大拙が説いたような『あるがままを観る意識』だけ。あなたの心が動いた瞬間の断片を、ぜひ見せてください。一人ひとりの異なる『視点』が集まったとき、そこには新しい世界が見られるかもしれません。

表現することは、生きることそのもの

大拙が教えてくれたのは、世界をどう見るかは、自分自身をどう見るかと同じだということです。
アートは高い壁ではなく、あなたの日常を自由にするための『窓』だと思うのです。

ぜひ日常の中から心の動いたものを撮影して、実体験してみませんか？
日常の中に隠れた、気にも留めなかったことが心に響いてくるかもしれません。

“SNS企画「日常をアートに変える体験」”

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この記事が、あなたと新しいアートとの出会いのきっかけになれば幸いです。

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Akemi

現在SNSで開催中の企画「抽象視点」が、ついにリアルな街歩きイベントになります！

普段、スマホの画面越しに誰かの発見を楽しんでいる方も、この日は同じ空気を吸いながら、一緒に街の「抽象的視点」を探しにいきませんか？一人で歩くのとは違う、リアル開催ならではのポイントはここです：

• 視点のリアルな共有：「そこがそう見えるんだ！」という驚きをその場で体感できます。
• 五感で楽しむ：5月の爽やかな風や光を感じながら、感性をひらく贅沢な時間。
• 心地よい交流：撮影のあとはピクニック。写真の話や日常の気づきを、ゆったり語り合いましょう。

上手な写真を撮ることよりも、みんなでワクワクしながら「日常の断片」を探すことが目的の、ゆるやかなイベントです。私と一緒に、新しい視点を探しに行きましょう。

Akemi

実は私も池田に詳しくなく、知らない道ばかり。だからこそ出会える「偶然のアート」を楽しみにしています。
「ガイド」ではなく「探検隊」のような気持ちで、みんなで一緒にキョロキョロしながら楽しい一日にしましょう！お気軽にご参加ください。

こんな方におすすめ

• アートに興味があるけど、難しそうと感じている方
• 普段とは違う視点で風景を楽しんでみたい方
• 日常の中に「お宝」を見つけるワクワクを体験したい方
• 同じ感性を持つ仲間と、ゆっくり歩いてみたい方

開催情報

開催日	2026年5月5日（火・祝） こどもの日
時間	10:00～12:00頃 ※12:00頃よりピクニック開始（雨天中止）
集合場所	10:00 阪急池田駅 改札口集合
定員	限定 6名（先着順につきお早めに！）
参加費	無料
持ち物	スマホまたはカメラ、各自のランチ、飲み物（お酒もOK）、敷物、ゴミ袋 ※道中のコンビニで調達も可能です
雨天時	撮影イベントは雨天決行。（ピクニックは中止、12:00〜13:00頃に解散予定） ※災害等の場合はやむを得ず中止することがあります。

当日の流れ

10:00	集合：阪急池田駅 改札口
10:00-11:50	街歩きと撮影タイム：五月山公園へ向けて、ゆっくりと「断片」を採集します
11:50-12:00	場所確保：コンビニ等でランチを調達し、公園の心地よい場所を探します
12:00-	ピクニック & シェア会：スマホ画面で写真を見せ合い、対話を楽しみながらランチ交流

【時間厳守のお願い】
スムーズな進行のため、定刻通りに開始いたします。少しの遅れでも皆さんに影響が出てしまうため、余裕を持ってお越しください。

参加方法

お申し込みは下のボタンから。お名前、メールアドレス、件名に「個展：5/5イベント参加希望」、本文に「当日の緊急連絡先」をご記入ください。

お申し込みはコチラ

※動きやすい服装でお越しください。
※安全には十分ご注意いただき、ご自身の責任において行動していただきますようお願いいたします。

Akemi

同じ空気を吸いながら、池田の街の「美しい断片」をみんなで探しましょう。
ランチしながら楽しく過ごしたいと思います。お気軽にご参加ください！

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これまで私は、キャンバスに向かい、抽象作品を制作してきました。けれど最近、ふと思ったのです。「この絵の中に宿る色やリズムを、もっと身近に、手で触れられるような形にできないだろうか？」と。

本日は、私の新しい挑戦となるブランドの立ち上げと、そこから生まれた「小さな住人たち」についてお話しさせてください。

新ブランド「AKORTE（アコルテ）」を立ち上げました！

新しいキャラクター制作に伴い、新ブランド「AKORTE（アコルテ）」を立ち上げました！

抽象表現の探求の中で生まれた、私の新しいブランド『AKORTE（アコルテ）』。

日常の何気ない瞬間にアートの視点を添え、毎日を少しだけ楽しく、軽やかに彩りたい。そんな想いからスタートしました。いつもの制作の枠からもっと自由に今後も展開していけたらと思っています。

AKORTE（アコルテ）に込めた意味

ブランド名の「AKORTE」は、私の名前の一部であり、イタリア語で「思慮深い・注意深い」といった意味を持つ accorto（アコルト）、そして Arte（アート） や Accord（調和・和音） の響きを重ね合わせた造語です。

日常の小さな奇跡に「気づき（思慮深さ）」、色とリズムが「調和」する場所。そんな願いを込めたこのブランドの第一弾として、手のひらサイズの人形たちを、4月の3人展「SIDE BY SIDE」にて販売いたします。

※手作業で制作しているので限定13個

グループ展「SIDE BY SIDE」で生まれた人形とは？

4月23日から始まる3人展『SIDE BY SIDE 』。今回の私の展示会のテーマは「色とリズム」です。

平面の中で響き合う色たちが、もしキャンバスを飛び出して、ひとつの命を持ったら？
そんな遊び心から生まれたのが、小さな人形たちです。

展示会場に並ぶ抽象画の中にある「色」を、そのまま擬人化したような存在。絵画からこぼれ落ちた色の断片が、人形となって動き出す――。会場では、私の作品と人形が共鳴し合う不思議な空間を楽しんでいただけます。

抽象と具象のあいだを「遊ぶ」

今回の制作は、もっと純粋に「色で遊びたい」という好奇心から始まりました。

粘土をこね、コルクに彩りを添え、毛糸でリズムを編んでいく。このプロセスは、キャンバスに向かう時と同じ、「実験」の連続でした。指先から生まれる形や色の重なりに、私自身が一番楽しんでいたかもしれません。

新しい表現に触れたことで、私自身の「色の捉え方」もより自由になりました。そんな私の変化も、この小さな住人たちと一緒に面白がっていただけたら嬉しいです。

物語を繋ぐナンバリング

AKORTEの人形たちには、すべてに「8桁のシリアルナンバー」が刻印されたカードを添えています。これは、私がその子を完成させた「日付」と「連番」です。

この番号は、今回の展示だけで終わるものではありません。私の制作が続く限り、この数字は次へと、その先へと繋がっていきます。あなたが手にするナンバーは、私の制作の軌跡の「何ページ目」なのか。そんな繋がりも楽しんでいただければ幸いです。

世界にたったひとつの「名前」を持つ住人たち

すべての人形に名前をつけました。ひとつひとつ手作りで、同じ顔、同じ髪色は二つとありません。コルクの表情、粘土の凹凸、混じり合う毛糸の色。世界にたったひとつしかない、あなただけの「色とリズムのパートナー」を見つけてください。

展示会販売とオンラインストア（STORES）について

すでにSTORES（オンラインストア）への登録も完了しました！まずはカタログのように、どんな子たちがいるのか覗いてみてください。

• 展示会販売： 2026年4月23日〜5月3日『SIDE BY SIDE』会場にて
• オンライン販売： 5月4日より開始（会場で完売した場合はご容赦ください）

STORESでみる

まとめ

新しい挑戦は、いつも少しの緊張と、ワクワクを運んでくれます。抽象画の表現と、人形たちの「愛らしさ」。その両方が溶け合う私の「今」を、ぜひ体験しに来てください。

皆様と会場でお会いできるのを、AKORTEの住人たちと一緒に心よりお待ちしております。

SIDE BY SIDEー3つの抽象と色彩が響き合う空間
2026年4月23日から5月3日まで

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